Luchino Visconti

El 17 de Marzo de 1976 fallece Luchino Visconti “padre” del neorrealismo a causa de una afección cardíaca

“El trabajo del actor para Visconti es muy simple. La relación es aún más simple; Tenemos que hacer exactamente lo que dice. Visconti piensa que el actor es una herramienta, aquí. Y es justo, estoy de acuerdo, debería ser una herramienta, impulsada por un director.” (Massimo Girotti)

Visconti pertenecía a una importante familia de la aristocracia milanesa más tradicional, y su educación se produjo bajo este huella. 

Más tarde empezó a frecuentar los salones culturales de Roma y Paris que le pondrían en contacto con una cultura elitista, muy años 30, y cuyos máximos oponentes, en cuanto a proximidad e influencias, seria Jean Cocteau, Serge LIfar y Coco Chanel. Esta influencia –así como la más directa de Jean Renoir, de quien fue ayudante de dirección- pueden hacer pensar que fue un vástago de la modernidad.

Sin embargo, una única novela escrita por él, hacen pensar en un joven que, más allá, de las inquietudes de su tiempo estaba profundamente influido por la literatura italiana de carácter más realista, como demostraría años después al colocar en su film La terra Trema.

En el polo opuesto, aparece el Visconti marxista, un hombre profundamente influido y vinculado a todas las polémicas de signo político-cultural que aquella ideología desencadenaría en la Italia de la Ocupación, y que llenarían toda la postguerra. Cabe recordar, que Visconti participo activamente en la resistencia y fue encarcelado por ello.

El discurso de la realidad, discurso básico del neorrealismo, aparece en el primer Visconti con tintes mucho más precisos que en otros autores.  Su primer pronunciamiento en 1942 en el film Ossessione que según algunos, permitió a Antoni Pietrangeli acuñar por primera vez el termino <<neorrealismo>>

En realidad Visconti era más un director de ópera que esporádicamente se interesaba por el cine. Tanto en La Terra Trema (1948) como en Bellissima (1951) sigue dentro del más puro neorrealismo. Comienza aparatarse con Senso (1954), donde queda muy marcado su tono operístico. Tras la teatral Noches Blancas (1957), que rodo en decorados, realiza sus obras maestras: el melodrama Rocco y Sus Hermanos (1960) y la espectacular El Gatopardo (1963).

Después de las ambiciosas Sandra (1969) y  El Extranjero (1957), sobre la obra de Albert Camus, realiza la trilogía integrada por La Caída de los dioses (1969), Muerte en Venecia (1971) y Ludwig (1973), que le dan gran fama internacional, pero que para algunos críticos son lo peor de su obra. Inmovilizado en una silla de ruedas por la trombosis cerebral, con Confidencias (1974) vuelve a su más reposado y mejor estilo. Por desgracia muere antes de acabar El Inocente (1976)

ANÉCDOTA:

Luchino Visconti  era un perfeccionista exasperante. Si algo no había sido colocado conforme a su gusto, simplemente se declaraba en huelga. 

Burt Lancaster recuerda llegar con el director a un pueblo siciliano, durante el rodaje de El Gatopardo (1963), cuando Visconti vio que algunas casas tenían antenas de televisión. A pesar de que podía haber filmado sin que se vieran, ordeno a su director artístico que las quitara todas.

“Cuando no estén, filmaremos. Me encontrara en mi hotel”, dijo.

Gilda

El 14 de Marzo de 1946 se estrena Gilda, la película que inmortalizó a Margarita Carmen Cansino, la gran Rita Hayworth
 

La mas reputada de todas la mujeres fatales: Glida, la conmoción de 1964. 

Enfundada en un famoso vestido de satén negro que creo Jean Louis en un momento mágico de inspiración, Rita Hayworth canto con voz prestada “Amado Mio” y “Putt he Blame on Mame”, se quito un guante con impresionante sentido de la provocación, y recibió de Glenn Ford el bofetón mas comentado de toda la historia del cine.

Durante años, Gilda fue considerada la representante máxima de las mujeres fatales, y la publicidad de la Columbia no quedo atras en el autobombo. “Nunca hubo una mujer como Gilda”. “Los hombres, en mis manos, son juguetes”. “Hago lo que quiero, cuando quiero y con quien quiero”. “Soy una mujer fatal, como fatal es mi sino”

Todo ello parece hoy un tanto exagerado; al fin y al cabo, la frivolidad de Gilda se ve continuamente castigada, y el amor acaba redimiéndola en provecho del hombre amado.

Rita Hayworth, convertida, desde entonces, en una autentica sex-symbol para toda una generación. Tan explosiva era la presencia de  Hayworth que una bomba atómica lanzada sobre Bikini, el atolón situado en las islas Marshall, fue bautizada con el nombre de la reina de las femmes fatales.

En la España franquista, la censura puso todos los medios posibles para que el film no llegase a las pantallas, pero ya era demasiado tarde para conseguirlo: miles de jóvenes habían empezado a teñirse el pelo de color pelirrojo para imitar al nuevo objeto de deseo de los españoles.

La crítica francesa hablo en su momento de “la relación homosexual entre Johnny y el marido de Gilda (un inquietante George Mc Ready). Estas deducciones, despertaron en el director Charles Vidor cierto asombro: “Nunca hubiera imaginado que esos dos muchachos eran así”, declaro.

Glenn Ford proporciono a Rita dos bofetadas, una en “Gilda” y otra en “La dama de Trinidad” (1952)

El nacimiento de una nación

El 11 de Marzo de 1915 se estrena El nacimiento de una nación, de D.W Griffith

"Lo que el cine necesita es belleza, la belleza del viento moviéndose entre las hojas de los árboles"

El estreno de la película supuso todo un hito en la narrativa del cine y consolido a Griffith como el padre de todos los directores de cine.

En los tiempos del cine mudo, el pionero David Wark Griffith triunfo con una película altamente controvertida, “El Nacimiento de una nación”. A esta descomunal película siguió un proyecto más ambicioso todavía “Intolerancia”

Dada la educación victoriana de Griffith resultaba inevitable que su gigantesca novelización de la Historia apareciese presidida por dos temas fundamentales: “La exaltación de la familia y la nostalgia del viejo Sur como paraíso perdido”. Un tercer tema la liberación de la raza negra, aparece en cambio como un pretexto para justificar el nacimiento del Ku-Klux-Klan, presentado como una fuerza dotada de inspiración divina y reivindicadora de los derechos de los blancos.

Lo que explica que semejante teoría supusiera, en su momento, un gigantesco escándalo que provoco numerosas manifestaciones ante los cines donde se proyectaba la película.

Griffith fue el primer gran autor de la pantalla y es que la concepción Griffithiana de la obra total, aparta definitivamente al cine de sus devaneos teatrales para meterlo de lleno en el género narrativo con todos los honores. Pues honores y muchos tuvo la película, que, a pesar de las numerosas críticas suscitadas por lo reaccionario de su ideología, fue unánime aceptada como un gran paso adelante en el cine.

Griffith sitúa su película en el periodo que va del inicio de la Guerra Civil Americana al origen del Ku Klux Klan, pasando por el asesinato de Lincoln, y estructura la historia como si de un complejo melodrama: con personajes realistas y cercanos.

Podemos observar  en la cinta un resumen absoluto de todas las técnicas que el director había aprendido a lo largo de los años anteriores: montaje interno de las secuencias, tamaño de plano en función del drama; efectos ópticos para marcar transiciones de tiempo; movimientos de cámara descriptivos; montaje en paralelo de diferentes acciones; flash-backs; persecuciones espectaculares; climax in-cresendo…

Esta película se convirtió  en la más vista de la breve historia del cine, proyectándose durante varios años a lo largo de todo el país y en el extranjero (quizás fue la película que más gente vio antes de la aparición de la televisión). Y es que hasta entonces no se había hecho un film tan “entretenido”. El espectador seguía sin pestañear las escenas de acción y se emocionaba en los momentos dramáticos.

Aunque hoy nos puede parecer una película muda más, incluso algo lenta y farragosa, en el momento de su estreno el público alucino con este largometraje.

El éxito mundial de “El Nacimiento de una Nación” sirvió al resto de directores como ejemplo de las posibilidades narrativas del cine. Fue una especie de reglas de oro o mandamientos del nuevo lenguaje que apenas nadie se atrevería a cuestionar en los siguientes cuarenta y tantos años durante la era del cine clásico

fallece John Belushi

5 de Marzo de 1982

Fellece John Belushi 

“Voy a morir joven.  No puedo evitar hacerme daño”, fue la frase que John Belushi no paraba de repetir semanas antes de su fallecimiento.

El actor fue uno de los cómicos más populares del mítico programa de la televisión estadounidense “Saturday Night Live”, un autentico caldo de cultivo de cómicos excelentes.

En 1978 el director John Landis se fijo en el actor en dicho programa de televisión y le contrato para un papel secundario, pero primordial, en la película “Desmadre a la Americana”, uno de los mayores éxitos de esos años.

Su carrera ascendió meteóricamente, aunque intervino también en el único fracaso de Steven Spielberg, la película “1941”. 

En 1980, junto a su amigo y compañero Dan Aykroyd, reunió a los héroes clásicos del blues en la película “The Blues Brothers”, dirigida también por John Landis que ellos mismos escribieron a partir de unos personajes con los que iban a hacer historia también en el campo musical.

Pero las mieles del éxito son a veces difíciles de digerir, y John Belushi empezó un peligroso descenso a los infiernos de la droga y la bebida. A principios de marzo de 1982,  el actor se encerró en el hotel Chateou Marmont, de Beverly Hills, para escribir el guion de su siguiente película. Sus prisas a la hora de trabajar hicieron que dependiera cada vez más de la droga y la bebida. 

El  4 de marzo una combinación de cocaína y heroína inyectada en vena le provoco un paro cardíaco fulminante, y así termino una carrera cinematográfica muy prometedora.

UNA MOSCA COJONERA UNIVERSITARIA

Durante su primer año en la Universidad de Wisconsin, Belushi dio una imagen poco propicia para ser el quarterback de dientes rectos del equipo de rugby. Ni siquiera fue presidente del Club de Ciencias en la hermandad de rubios con letras griegas en el pecho. Más bien se convirtió en la mosca cojonera, critica e insurrecta de todo poder establecido en el campus. Por lo que se dice, tuvo enfrentamientos hasta con los encargados de la limpieza.

Con sus pelos largos y su actitud de matón “tarantinesco”, hizo famosos sus colocones de cocaína en plena clase, que se extendió a su trabajo en tv y posteriormente a su matrimonio, que quizá por eso término nada más empezar.

La muerte de Belushi fue un shock en el mundo social norteamericano, porque aunque la gente conocía sus debilidades, el actor se encontraba en el momento más alto de su carrera, momento en el que acababa de pasar a la historia por inmortalizar el blues más clásico en una película moderna.

Tiempo después de su muerte, Cathy Smith, la mujer con la que compartió sus chutes y sus últimos pedazos de vida descontrolada de dinero y excesos, fue condenada a  tres años de cárcel. El tribunal la considero culpable de haber suministrado la droga al actor.

En abril de 2004, John Belushi recibió por fin una estrella en el paseo de la fama de Hollywood en la categoría de televisión. A la ceremonia asistieron su hermano James, cuya carrera no hubiera despegado de la misma manera sin la muerte de su hermano, su amigo Dan Aykroyd, que ha declarado haber  encontrado su camino gracias al empuje de John, y Chevvy Chase, también compañero de “Saturday Night Live”

Un guionista del programa de televisión “Saturday Night Live”, aseguró: "Quería esnifarse el mundo". 
No era el primero de su generación en morir así, aunque sí fue el más famoso.

Nace Rex Harrison

El 5 de Marzo de 1908 nace el actor británico 

Rex Harrison 

"Se Necesita Mucho Tiempo Para Aprender A Tratar A La Cámara Como Un Amigo Y Confidente". Rex Harrison



El actor que en la película My Fair Lady interpreta el pedante profesor Higgins nació en Hyton, (Reino Unido), el 5 de marzo de 1908 en el seno de una familia acomodada. Su padre era comerciante de algodón y su madre descendía de una familia de actores importantes.


Fue un actor vocacional. Desde su adolescencia estuvo ligado al teatro, donde hizo la mayor y mejor parte de su carrera juvenil. No daría gran importancia al cine hasta estar ya consolidado como actor de teatro y musicales, a finales de los años treinta. Por otra parte, la guerra mundial da un corte en su labor profesional: se enrola en la RAF, donde alcanza el grado de teniente.

A mediados de los años cincuenta obtiene un Premio Tony por su interpretación, en My Fair Lady, del profesor Higgins en Brodway, y será precisamente con ese mismo papel en la película de George Cukor de 1964 (–en la que canta el mismo) con el que obtendría el único Oscar de su carrera, aunque un año antes, en 1963, había conseguido una candidatura por su papel de Julio Cesar en la Cleopatra de Mankiewicz.

Elegante y seductor, fue famoso por sus seis matrimonios e innumerables amoríos

Fue también el Doctor Doolittle de Richard Fleisher y trabajo en varias películas de Mankiewicz, Carole Reed y Vincent Minelli. Tubo incluso un insólito atrevimiento: hacer de homosexual, formando pareja con su compañero Richard Burton, en la película La Escalera, de Stanley Donen.

Murió de un cáncer de páncreas en 1990 y hasta muy pocas semanas antes de su muerte trabajo en el teatro. Su última obra, con 82 años, en Brodway, fue The Circle, de Sommerset Maugham, con Steward Granger y Glynis Johns como compañeros. Fue incinerado y parte de sus cenizas fueron esparcidas en Italia en Portofino y en la tumba de su segunda esposa, Lilli Palmer.

HARRISON vs SINATRA

Se cuenta que durante una pequeña fiesta, la por entonces mujer de Harrison, Lilly Palmer, hablaba con Frank Sinatra de un posible proyecto juntos. La conversación alcanzo tal profundidad que Sinatra zarandeaba a Palmer representando una de las escenas cuando Harrison apareció en la habitación y creyendo que la estaba agrediendo, no dudo en golpear violentamente la mandíbula de Sinatra. Tras solucionar el malentendido, ambos se hicieron buenos amigos

 HARRISON vs STEWIE GRIFFIN

La voz y la personalidad del bebe más educado de los dibujos animados de la Fox, Stewie Griffin, de Padre de Familia(Family Guy), está basada en las características de Rex Harrison unidas a la personalidad del protagonista de American psycho. Un cóctel explosivo.

Y es que el carácter de Harrison dejo marcas hasta en la moda. Tras el éxito de My fair Lady, el sombrero que Harrison luce durante toda la película se convirtió en una penda característica en la vida diaria del actor. Tanto fue así que el complemento es actualmente conocido como sombrero Higgins, haciendo alusión al nombre del personaje de Harrison en el film de George Cukor y en la obra de Brodway.

Adios a George Kennedy

Adios a GEORGE KENNYDY, 

un secundario de renombre

"Los ejecutivos en Hollywood debieron pensar: 'hey, este tipo puede hacer algo más aparte del tipo malo"

George Kennedy, falleció a los 91 años. El pasado 28 de Febrero de este año (2016) no dejaba el ganador de un Óscar La leyenda del indomable (1967) uno de sus más sádicos personajes. También pudimos verle apostando por lo cómico como el capitán Ed Hocken en las populares películas de humor Agárralo como puedas (1988) y sus tres exitosas entregas a lo largo de los 90.

Otros títulos de su carrera son Doce Del Patíbulo (1967), Charada (1963), Canción de cuna para un cadáver (1964) o Espartaco (1960)

Nació el 18 de febrero de 1925 en Nueva York, Kennedy fue uno de los actores de reparto más populares y prestigiosos de los años 60 y 70. Su padre era músico y su madre bailarina, su padre falleció cuando el cumplió cuatro años. Veterano de la Segunda Guerra Mundial, trabajó en el ejército como asistente de rodajes y tras 16 años de servicio, se retiró. Kennedy se dedico entonces a la interpretación, primero en la televisión, en la que se desarrollo una extensa carrera, y luego en el cine, donde pronto pasó de interpretar breves papeles a ser un actor secundario de prestigio.

Su debut en el cine fue con un pequeño papel en “Espartaco” de Stanley Kubrick

De su prolífica carrera cinematográfica destacan películas como Los Cuatro Hijos de Katie Elder de Henry Hathaway,  El Vuelo Del Fénix de Robert Aldrich, La Leyenda del Indomable de Stuart Rosenberg, que le dio el Oscar al mejor actor de reparto; El Estrangulador de Boston, Aeropuerto (1970) de Jack Smight y varias de sus secuelas también en Un Botin de 500.000 Dolares de Michael Cimino o Terremoto de Mark Robson…

En los años 80 actuó en la película erótica “Bolero”, con Bo Derek y Ana Obregón. También participó en otros films, de los cuales el más destacado es “Creepshow 2”, de Michael Gornick, escrita por George A. Romero y Stephen King

En sus últimos años como actor Kennedy volvió a la televisión, apareciendo en series como “Vacaciones en el Mar” o “Dallas”.

En 2005 fue dirigido por Wim Wenders en Llamando a las puertas del cielo. No paró de trabajar hasta 2014, año en que participó en la película  El jugador.

Como escritor publicó algunos libros de misterio y su autobiografía, Trust me (2011).

Dependiendo de tu generación, tendrás en tu mente una imagen de George Kennedy ya que el actor estadounidense, tenía una filmografías cercana a los 180 títulos entre cine y televisión.

Introducción

I

SUCEDIÓ EN HOLLYWOOD

INTRODUCCION

Eres un morboso interesado en conocer todo aquello que se oculta tras la mitología de Hollywood, que reconoces como mentirosa, truculenta y enredadora, pero que a pesar de todo ello admiras, necesitas o simplemente te hace gracia y te distrae SUCEDIÓ EN HOLLYWOOD es tu Blog

Aquí descubrirás que las estrella no son siempre jóvenes, no son ni buena ni mala gente, en SUCEDIÓ EN HOLLYWOOD descubrirás que tienen grandes pasiones y grandes vicios, pero no más grandes, ni más románticos, ni mas malvados que los nuestros.

SUCEDIÓ EN HOLLYWOOD no trata del valor cinematográfico de las películas, si no de esas anécdotas, historias y hechos desconocidos que, influyeron en el resultado final de muchos filmes.

Aquí te ofrecemos historias que a menudo son cómicas, algunas veces trágicas y siempre entretenidas.

Con muchas de las anécdotas que leerás aquí, se te hará difícil no descubrir nuevos matices en esas películas tan conocidas, ya que nos darán la clave de por qué ciertas escenas se resolvieron de una manera y no de otra, o de por qué hubo cambios de última hora en el elenco de actores. En otras sencillamente descubrimos aspectos ocultos e insólitos de los personajes aludidos.

En definitiva, que quieres conocer más cosas sobre aquello que supongo te apasiona o por lo menos te divierte y entretiene: 

EL CINE. 

Porque para eso existe el cine, para entretener.

Para eso hacemos este Blog, para entretenerte a ti..